Vol au-dessus d'un nid de coucou (1975), de Miloš Forman

 

« Mais de vous à moi, Docteur… euh… elle avait peut-être que quinze ans mais quand on est devant une belle fente bien rouge qu’on peut toucher, là, j’crois pas qu’il faut être cinglé pour… Et c’est bien votre avis aussi ? » - « Je vous entend parfaitement. »

Réalisation : Miloš Forman

Scénario : Bo Goldman et Lawrence Hauben, d’après le roman éponyme de Ken Kesey (1962)

Pays : Etats-Unis

Année : 1975

Genre : Drame

Avec : Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Brad Dourif, Will Sampson, Danny DeVito, Christopher Lloyd, Sydney Lassick, Scatman Crothers.

Synopsis : Condamné pour diverses agressions et un viol sur mineur, Randall Patrick McMurphy simule la folie pour échapper au pénitencier. Il intègre alors un hôpital psychiatrique afin qu'on évalue sa santé mentale. Les thérapies y sont dirigées d’une main de fer par l’infirmière en chef Miss Ratched, une femme autoritaire et impassible à laquelle McMurphy va très vite s’opposer…

Pourquoi ? J’ai donc revu ce film « bouleversifiant » d’humanité, qui a mon âge et dans lequel une poignée de malades mentaux sont aux prises avec une infirmière tyrannique, portant le sadisme et la cruauté sur son visage. Sous l’impulsion d’un sociopathe simulateur, ils vont progressivement braver ce système intransigeant et retrouver goût à la vie et à la liberté. Parfois drôle mais aussi poignant et (très) dur. Quelle justesse dans l’interprétation (Nicholson et ses colères homériques, Fletcher, Dourif, DeVito… tous !) et dans les situations ! Que voulez-vous que je vous dise de plus ? Grand chelem des cinq principaux Oscars mérité, chef-d’œuvre et pis c’est tout.   

The Square (2017), de Ruben Östlund

 

C'est l'histoire d'un mec, Christian (Claes Bang), père divorcé et conservateur d'un musée d'art contemporain de Stockholm. Un bon bobo suédois, qui donne des pièces aux mendiants, roule en voiture électrique et tout et tout. Mais un jour, il est piégé : aidant une femme prétendant être attaquée, il se fait voler son portable, son portefeuille et ses boutons de manchette. Heureusement, grâce à la fonction de géolocalisation de son téléphone, il ne tarde pas à retrouver la trace du voleur : un immeuble dans une cité de banlieue. Avec l'aide d'un adjoint, il glisse alors une lettre de menaces anonyme dans chacune de ses boîtes aux lettres. Cette initiative va bouleverser sa vie alors que parallèlement, le vernissage d'une exposition intitulée The Square approche et que sa campagne de promotion est lancée.

Vous savez quoi, les gars ? J'ai l'impression que le cinoche a cessé de (vouloir) nous faire rêver. Entendons-nous bien : je ne suis pas partisan d'un cinéma exclusivement hollywoodien  « d'enter-tainment ». Mais pas davantage de l'évocation systématique de problématiques sociétales contemporaines, portées par des acteurs moyennement charismatiques. On a pourtant l'impression que c'est désormais devenu le critère n°1 pour espérer empocher une Palme d'Or. Celle-ci, obtenue en 2017, est la première du réalisateur suédois Ruben Östlund. Mais si Sans filtre (2022) m'avait séduit par ses moments jubilatoires et un message délivré sur le ton de l'humour (féroce), tout ici est plus pompeux et lourdingue. Déjà, rien ne tient debout. Franchement, le bobo pris de remords pour avoir fait des amalgames basés sur des idées reçues (habitants des cités = voleurs) ensuite prêt à tout pour se racheter une bonne conscience, qu'est-ce que c'est appuyé... Des scènes ridicules et interminables (le happening de « l'homme singe » qui terrifie les bourgeois attablés lors de la soirée de gala avant de se faire lyncher, Claes Bang et Elisabeth Moss qui se disputent la capote remplie de semence après avoir fait « crac-crac »...). Seule celle où un type atteint du syndrome de Gilles de La Tourette perturbe le bon déroulement de la conférence consacrée à un artiste en débitant des insanités m'aura arraché un sourire. Plus anecdotique, on notera qu'Östlund semble apprécier la « french touch » (une des musiques que j'aime le moins au monde) : avant le Lady de Modjo (pouark !) dans Sans filtre, il mettait ici à l'honneur le Genesis de Justice, ce qui est quand même nettement mieux. Une grosse déception.

Sans filtre (2022), de Ruben Östlund

 

« Et vous, vous travaillez dans quoi ? » - « Je suis dans la merde. » - « Vous… quoi ? » - « Je vends de la merde. »

« L’important, c’est tout c’qu’ils affichent, les riches. » (Regarde les riches, Patricia Kaas, 1990)

C’est l’histoire de Carl (Harris Dickinson) et de sa petite amie Yaya (Charlbi Dean, décédée à 32 ans d’une septicémie peu après ce film, horrible…), tous deux mannequins et « influenceurs ». Ces activités leurs permettent d’être invités à bord d’une croisière de luxe, où ils côtoient des personnes plus riches qu’eux, comme un couple d’anglais ayant fait fortune dans l’armement ou un oligarque russe (Zlatko Burić) s’étant enrichi grâce à la vente d’engrais. Mais lors du repas du capitaine (Woody Harrelson), une tempête fait virer la croisière de rêve au cauchemar…

Ah, ce foutu pognon, il nous en fait faire… Soyons honnêtes, dans notre indépassable (?) monde capitaliste, nous en sommes tous avides, que ce soit pour assurer notre subsistance, se payer un « extra » (restau, sortie, voyage…), mener une vie confortable ou étaler notre « réussite » et notre pseudo-supériorité sur autrui. Après Parasite en 2019, il semble que la « lutte des classes » et la critique de la bourgeoisie (mais aussi des classes plus défavorisées) soient dans l’air du temps et un atout considérable pour l’obtention d’une Palme cannoise (la seconde du cinéaste suédois Ruben Östlund, après The Square en 2017). Le film se divise en trois parties. La seconde est de loin la meilleure et m’aura, chose très rare, occasionné un fou rire. Mais avant cela, il faut se taper le prologue où nos deux tourtereaux se « prennent la tête » (et la notre par la même occasion…) pendant un quart d’heure à propos d’une foutue note de restaurant. En cause : la meuf qui laisse payer son mec alors qu’elle gagne plus que lui et qu’il a déjà payé la fois précédente, reproduisant les « stéréotypes de genre », ce que notre gars a du mal à supporter. Nous entrons ensuite enfin dans le vif du sujet avec leur embarcation à bord d’un yacht rempli de « vieilles peaux » ultra-friquées. Nous assistons alors lors d’une soirée à un jubilatoire jeu de massacre : la tempête fait tanguer le navire, les passagers vomissent leur repas à base de caviar et de poulpe caramélisé, les chiottes débordent et le capitaine (génial Woody Harrelson) se livre à une bataille de citations avec l’oligarque russe, lui citant Marx et le milliardaire répliquant par des sentences du couple infernal Thatcher – Reagan. Les deux hommes, ivres, s’enferment dans la cabine de pilotage et Harrelson harangue les milliardaires, avec des phrases du genre « ne rêvez pas, nous ne nous dirigeons pas vers un paradis fiscal » ou « on sait que vos œuvres de philanthropie, c’est pour défiscaliser et vous donner bonne conscience ». Dans une sorte de catharsis, Östlund nous venge quelque peu de ces individus néfastes à l'environnement et au Bien commun, même si montrés sous un jour pas forcément antipathique. Et boum, Harrelson « pilonne » aussi les Etats-Unis et leurs guerres aux quatre coins du monde pour y placer leurs hommes et en tirer un profit économique. Faire passer un message (très bien senti) dans un contexte comique pour qu’il ne soit pas trop lourd, voilà qui est habile. L’attaque terroriste du yacht, traitée en ellipse, débouche sur la troisième partie, celle de l’île déserte, où se retrouve une poignée de survivants : notre jeune couple, le russe, deux autres passagers et trois membres de l’équipage, dont une préposée aux WC qui va prendre les choses en main, étant la seule à savoir pécher et allumer un feu. L’occasion donc d’un renversement de hiérarchie et d’une inversion des statuts sociaux (et de genre). Après quelques péripéties et tensions au sein du groupe, les derniers plans laissent libre cours à une fin « ouverte ». Très intéressant objet filmique. Mais si Bong Joon-ho, avec Parasite, payait son tribut à La Cérémonie de Chabrol, Östlund revisite ici La grande bouffe Ferrerienne dans ses passages scatologiques, tant et si bien qu’on se demande si les œuvres contemporaines de qualité ne seront pas désormais invariablement le fait de petits malins connaissant leur histoire du cinéma sur le bout des doigts…     

Anatomie d’une chute (2023), de Justine Triet

 

« Etre un couple, c’est ne faire qu’un. Mais lequel ? » (Oscar Wilde)

C’est l’histoire d’un couple, vivant depuis environ deux ans dans un chalet isolé près de Grenoble. Tous deux écrivains : lui, Samuel (Samuel Theis), français ; elle, Sandra (Sandra Hüller), allemande. Un jour, leur fils malvoyant Daniel (Milo Machado-Graner), accompagné de son chien guide Snoop, découvre le corps sans vie de son père sous la fenêtre du grenier, où celui-ci écoutait de la musique à un fort volume, ce qui contraint sa compagne d’écourter un entretien avec une étudiante venue l'interviewer. Très vite, Sandra est inculpée pour meurtre. Elle fait appel à son ami et avocat Vincent Renzi (Swann Arlaud).

Elle est fatigante, cette époque, hein ? Les problématiques, les pseudo-polémiques (Victor. Qu’est-ce qui n’est pas « polémique », de nos jours ?), les tensions et les manipulations sont exacerbées par les incroyables caisses de résonnance que constituent les chaines info en boucle d’une part et les réseaux dits « sociaux » d’autre part (deux véritables cancers modernes). Ces derniers sont devenus le réceptacle de haines recuites, empreintes de hargne revancharde. Parmi les marottes dont nous sommes inlassablement abreuvés, outre l’incontournable triumvirat insécurité - immigration - Islam ou les thématiques de « genre », la fameuse litanie « c’est avec nos impôts » (dans un pays où 50% de la population n’en paie pas, dont, parait-il, même certains millionnaires) figure en bonne place. Il en va ainsi du cinéma français, qui serait un outil de propagande (si c’est le cas, ça n’a pas l’air très efficace…) et un gouffre financier car souvent non-rentable. Alors que c’est faux : non, le cinéma n’est pas financé par « nos impôts ». La réalisatrice Justine Triet, lors de la remise de sa Palme d’Or à Cannes, s’en était alors pris « plein la gueule » pour l’avoir ouverte, à mon sens à bon escient, afin de s’opposer à la réforme des retraites de 2023 et de défendre « l’exception culturelle » française (effectivement à chérir, à l’instar de notre modèle social), fragilisée selon elle par la politique gouvernementale. Ben oui, c’est tellement plus confortable pour tout le monde (et surtout pour nos dirigeants), un(e) cinéaste qui « fait où on lui dit de faire », se contentant de venir récupérer son prix et débiter son discours convenu à base de remerciements…

Ceci posé, il nous faut parler du film puisqu’il convient, dans un sens ou dans l’autre et selon la formule consacrée, de « séparer l’homme – ou ici en l’occurrence, la femme – de l’artiste » (enfin, pour Cantat, par exemple, c’est un peu plus difficile…). Alors honnêtement, je m’attendais à pire. Le film est plutôt prenant, limite oppressant par moments et met mal à l’aise. Bon, déjà, la perte du père, j’ai connu ça il y a bientôt quatre ans donc évidemment, ça renvoie à mon histoire personnelle. J’ai surtout été marqué par les séquences de procès. Avocat et procureur sont de « drôles » de métiers. Harceler, pousser l’accusé ou les appelés à la barre à la faute pour influencer un jury… La machine judiciaire peut vite s’avérer implacable, un rouleau compresseur auquel il sera très difficile de résister. Autant être très solide et préparé pour éviter d’être broyé. Sans compter les regards suspicieux ou inquisiteurs du public présent dans le prétoire (les tribunaux populaires, la pression de « l’opinion publique », j’ai horreur de ça…). C’est ainsi toute la vie du couple qui est mise à nu, ses jalousies (elle a du succès, pas lui et elle lui a piqué l’idée d’un de ses bouquins non achevés pour le sien), ses non-dits, tout ça aux yeux (sic) et aux oreilles du fils, assistant au procès malgré les réserves de la juge d’instruction. C’est d’ailleurs le véritable sujet du film, l’enquête policière n’étant qu’un prétexte. Tout est bien reconstitué, c’est très réaliste. La musique au piano est aussi très bien (le morceau Asturias d'Isaac Albéniz). Néanmoins, si je n’ai rien à objecter au scénario et à l’interprétation, cela me semble tout de même un peu « léger » pour tant de récompenses (Palme d’Or, un Oscar et six Césars – dont les principaux –, entre autres), en comparaison d’un Parasite de Bong Joon-ho, pour prendre un exemple récent de film multi-primé. Formellement, c’est très classique. Je ne suis pas loin de penser comme le cinéaste kazakh Darejan Omirbaev, qui estime que ce film prouve que « l'art cinématographique est déjà mort. C'est filmé comme une série ». Mais son succès me réjouit pour la France et si ça emmerde la « majorité » présidentielle, c’est encore mieux. Et puis ce genre de films, c’est un bonheur pour les célibataires endurcis tels votre Serviteur : avoir une nana comme ça à la maison, caractérielle voire hystérique, toujours dans nos pattes, juste pour des moments de tendresse ou de gaudriole qu’on n’est en plus même pas sûr d’avoir, ça fait franchement pas envie ! 😄

Les Visiteurs (1993), de Jean-Marie Poiré

 

« Cousin Hubert ! Qu'est-ce que c'est qu'ce bin's ? »

« C’est Okaaaaaaaaay ! »

« Merci, la gueuse. Tu es un laideron mais tu es bien bonne. »

Réalisation : Jean-Marie Poiré

Scénario : Jean-Marie Poiré et Christian Clavier

Pays : France

Année : 1993

Genre : Comédie, fantastique

Avec : Christian Clavier, Jean Reno, Valérie Lemercier, Marie-Anne Chazel, Christian Bujeau, Isabelle Nanty.

Synopsis : An de grâce 1123. Victime d’hallucinations après avoir malencontreusement ingurgité la potion d’une sorcière, le Comte Godefroy de Montmirail tue le père de sa promise Frénégonde de Pouille, qu’il a pris pour un ours. Du coup, Frénégonde refuse le mariage. Le mage Eusæbius propose alors à Godefroy une potion pour remonter le temps afin d'en changer le cours et d'éviter cet accident. Celui-ci, ainsi que son fidèle écuyer Jacquouille la Fripouille, boivent ce breuvage pendant que le mage récite la formule magique. Mais ce dernier a oublié un ingrédient et les deux hommes sont envoyés au XXe siècle…

Pourquoi ? Alors là j’avoue, on est en plein dans le « plaisir coupable » du « plus c’est con, plus c’est bon ». Oui, le côté potache « on est les mecs les plus puissants du cinéma français mais on aime faire les cons », ça me botte. Clavier entame ici sa carrière de « nouveau De Funès ». Mais bizarrement, je crois que c’est le personnage de Chazel, dans une variante de celui de « Zézette » du Père Noël, qui me fait le plus marrer. Top 5 des plus gros succès au box-office français, cultissime et c’est pas pour rien, même si ça a inévitablement un poil vieilli.

[P.S : difficile de ne pas voir dans le massacre en règle de la Renault 4L de La Poste par nos deux « visiteurs » une métaphore inconsciente de celui du service public postal, fragilisé par l’ouverture à la concurrence décidée par l’infame Traité de Maastricht, ratifié en 1992…]